Introducción

Publicado: 07/02/2012 en Introducción
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Bienvenidos…

Retórica e Imagen, esta integrado por dos mujeres que desde su lugar de artistas y críticas, reflexionan acerca del arte contemporáneo, su conceptualización y abordaje.

Sus miradas ahondan en el arte de nuestros días, la búsqueda de sus origenes (primeras vanguardias del siglo XX),  su proyección a lo largo del siglo, como así también su  convivencia en una sociedad globalizada, muchas veces ajena a una identidad cultural.

Su eje central es indagar en  el discurso estético del mundo actual, poniendo el acento en la ética como sustento de toda manifestación artística, sin dejar de lado el compromiso y la reivindicación de los valores necesarios para construir un escenario socio-cultural más humanista para el tiempo que nos toca vivir.

Curadurías, críticas, jornadas de arte e investigación, constituyen el corpus de esta propuesta.

Gaspar-Lagos

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“El pasado oficia como el gran misterio de nuestras vidas, el presente devela antiguos recuerdos, los que aún hoy intentan ocultarse en el viejo cofre de la memoria.

El futuro incierto y expectante se sumerge en el imaginario de un largo silencio. La espera lo cobija bajo el albor de cada amanecer. La ceremonia nos ofrece su júbilo, la escena ha llegado a su fin”.

Adriana Gaspar

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“Un artista irreverente”

Publicado: 11/10/2014 en Introducción

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Federico Manuel Peralta Ramos

Por: Renée Lagos

Corría el mes de  septiembre del 2003 cuando tuve la oportunidad de visitar la muestra retrospectiva de Federico Peralta Ramos, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad Buenos Aires, previo a su restauración. La misma incluía una gran variedad de obras, entre ellas pinturas, dibujos, fotos y videos, de los cuales me llamaron especial atención unos enormes cuadros con texto, la poesía estaba presente en ellos.

En su momento consideré que al fin se rescataba la obra de este singular Artista, poeta, performer y showman, representante del Dadaísmo nacional y la vanguardia de los años 60 del Instituto Di Tella, junto a Dalila Puzzovio, Marta Minujín, Charlie Squirru, Edgardo Giménez, Jorge de la Vega, Roberto Mackintosh y Alberto Greco entre otros.

Se lo consideró un artista intuitivo, que presintió casi premonitoriamente un arte conceptual antes que el mismo tomara forma, y señaló en varias ocaciónes que el arte tarde o temprano se disolvería en la vida social.

Fue en galería Witcomb en 1964, donde expuso enormes cuadros, tan grandes que no pensó  que no pasarían por la puerta, inconveniente que soluciono serruchando sus obras, partiéndolas por el medio, acto seguido junto las dos partes y las colgó, denominándolas “Pinturas Pesadas” de neto corte informalista. Las mismas estaban confeccionadas con gruesas capas de materia que lentamente comenzaron a chorrear en el piso, motivo que fascinaba al autor. Este acontecimiento  azaroso e innovador comenzaba a dejar registro de una nueva búsqueda.

La irreverencia y versatilidad lo destacaba en todo ámbito, rodeado por una sociedad propensa a etiquetar individuos y acciones, este artista se abre camino como cantor, recitador, pintor, poeta, showman. Incursionó en la televisión en el programa de Tato Bores, con recordadas intervenciónes poéticas con su amigo Ricutti. Pero también como pensador urbano, fundó la religión Gánica, que consistía básicamente en “hacer siempre lo que uno tiene ganas de hacer y cuyos versículos rezaban, en “creer en el gran despelote universal” “no mandar” “no endiosar nada” “regalar dinero”.

Pronto Federico se volcó a las acciones que llevaba a cabo casi espontáneamente, como la ocación en que sin tener dinero en el bolsillo, levantó la mano para pujar en un remate de la Sociedad Rural Argentina para comprar un toro reservado, gran campeón, porque pensaba exponerlo en el Instituto Di Tella junto a una montaña de dinero, un auto Formula 3 y un caballo pura sangre (acto que le valió la internación en un neuropsiquiátrico privado para así evitarse un juicio).

O el acto irreverente y genial cuando utilizó todo el dinero de la Beca Guggenheim en el año 68 para dar una cena en el Hotel Alvear con sus amigos. Federico anunciaba lo siguiente “Leonardo pintó la última cena, yo la dí”

Por supuesto que a las autoridades de la prestigiosa beca no le hizo ninguna gracia el destino del dinero otorgado, procediendo a hacer el reclamo al artista en una misiva, y a la que Federico contestó ingeniosamente.

A continuación se haya transcripta dicha carta que habla de un artista versátil que espera su merecido  reconocimiento.

Actualmente su obra “Nosotros afuera” (el enorme huevo)  se encuentra expuesta en el espacio e-Flux de Nueva York.

Federico Manuel Peralta Ramos

Buenos Aires, junio 14 de 1971

Mr. James F. Mathias
John Simon Guggenheim
Memorial Foundation
90 Park Avenue
New York, N.Y. 1116
U.S.A

Dear Mr. Mathias:

En respuesta a su carta del 23 de Mayo de 1971, quiero manifestarle algunos aspectos del modo en que encaré la beca que obtuve de vuestra Fundación.

En cuanto recibí el primer aporte de la beca y anticipándome a lo que es hoy un movimiento internacional, consistente en un señalamiento artístico real, invité a un grupo de amigos (25 personas) a una comida en el Alvear Palace Hotel, invitándolos después a bailar a la boite África, costó u$s 300.‑

Una de las razones que me impulsaron a este tipo de manifestaciones es la convicción de que “la vida es una obra de arte”, por lo que en vez de “pintar” una comida, dí una comida. Mi filosofía consiste en la frase: “Siendo en el mundo”. Creo que la aventura del artista es el desarrollo de su personalidad, para obtener la “constitución” del yo.

En una palabra: vivir.

Siguiendo con esta actitud filosófica me mandé hacer tres trajes (costo u$s 500.-)

Asimismo pagué las deudas de una exposición que había realizado en la Galería Arte Nuevo, Maipú 971, en octubre de 1968. Exposición realizada al enterarme de que había obtenido la beca y cuyo costo fue de u$s 1.000.‑

Como Uds. recordarán al haberles manifestado que no viajaría a U.S.A. y que Uds. dispusieron el envío de u$s 3.500.- a Buenos Aires, quiero manifestarles lo que hice con esa cantidad.

Invertí ese dinero en una Financiera a interés mensual, cobré los intereses durante 10 meses y luego hice lo que yo llamo mi última expresión artística con esta beca.

La beca se me había otorgado como pintor, entonces provoqué una serie de situaciones con este dinero (u$s 3.500.-)

En primer lugar compré un cuadro de Josefina Robirosa en m$n 400.000.- y se lo regalé a mi padre, después compré un cuadro de Ernesto Deira en m$n 200.000.- se lo regalé a mi madre y para terminar compré un cuadro de Jorge de La Vega para mí en m$n 300.000.-Lo que importa el total.

Durante estas dos temporadas se me dio la oportunidad de trabajar como Showman, 2 temporadas en programa de TV de Tato Bores, canal 11 de Buenos Aires y durante ese período grabé un disco para Columbia, titulado “Soy un pedazo de atmósfera”.

Espero que estas líneas sean comprendidas en su debida forma y con ella acompaño el certificado que me enviaron.

Saluda a Ud. afectuosamente

Federico Manuel Peralta Ramos

Vicente López
1864 Buenos Aires
República Argentina

Obra: “Nosotros Afuera”

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INTERCAMBIO BILATERAL DE ATCs y CORREO
PERÚ – ARGENTINA 2014
BASES Y CONDICIONES
Retórica e Imagen: Gaspar-Lagos
MarjorieArt Gallerie

Hoy Retórica e Imagen (Adriana Gaspar-Renée Lagos) & MarjorieArtGallerie, proponen un intercambio bilateral entre peruanos y argentinos, bajo el lema “Identidad – Artistas Emigrantes”, considerando que hoy en día, artistas de ambos países han emigrado a la otra costa, buscamos saber la percepción que tienen de este movimiento migratorio y en que afecta o refuerza su identidad nacional, artística y humana.
Todos los que quieran participar en este evento podrán enviar en un sobre cerrado la cantidad de 3 tarjetas por persona en un mismo diseño o diferente, para un posterior intercambio en el marco de exhibición del país receptor.
Cabe señalar que el objeto de esta propuesta es exponer en Lima, las tarjetas que se envíen desde Argentina, y en Buenos Aires las tarjetas que se envíen de Perú de manera simultánea.
Todos los participantes deberán enviar un mail de confirmación a: atcs.peruargentina@gmail.com con los siguientes datos, NOMBRE COMPLETO, DIRECCIÓN POSTAL, TELEFONO DE CONTACTO, FECHA DE NACIMIENTO, PÁG WEB/ BLOG/ FACEBOOK, considerando este acto como inscripción previa y para elaborar los respectivos Certificados de Participación.
Una vez recibidos los sobres con las tarjetas, se cortejarán los datos. Solo los participantes inscriptos previamente tendrán Certificados de Participación, vía e-mail y serán parte de la muestra en el país receptor.

Tema: “Identidad – Artistas Emigrantes”
Medidas:
ATCs: 6,4cm x 8,9cm
Carta: A4
Postal: 10 x 15cm
Técnica: Libre
Incluir al dorso: Título, Autor, e-mail, pág web
Fecha de cierre: 5 de Octubre, 2014 (fecha del matasellos)
Para envío e-mail: atcs.peruargentina@gmail.com
Para envío postal:
De BUENOS AIRES a LIMA. De LIMA a BUENOS AIRES
“Identidad – Artistas Emigrantes” “Identidad – Artistas Emigrantes”
Calle Samaria 273, Dpto. 804 Corvalán 2990, Torre 11, piso 1, dpto “H”
Surquillo (Lima 34) CP (1439) Capital Federal
Lima Perú Buenos Aries, Argentina

Condiciones:
• Enviar 3 tarjetas deseadas (en 1 o las 3 medidas) en sobre cerrado.
• Solo se exhibirán trabajos originales
• Las obras serán publicadas en la muestra FanPage /f/atcs.peruargentina) y diferentes redes sociales.
• Todas las obras serán expuestas en Lima y Buenos Aires simultáneamente en Noviembre del 2014.

Se enviará certificado de participación por mail a cada participante. Para ello deberán enviar un mail de confirmación a atcs.peruargentina.gmail.com

 

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Este artículo fue publicado en febrero de 2013 por Leonor Calvera en mujeresdelmilenio.wordpress.com y en mayo de 2014 en La Revista Generación Abierta.

La denominaciónAdriana Gaspar: La afectividad en la obra de Liliana Porter Arte Conceptual se origina en un texto de Sol Le Witt de 1967, Paragraphs on Conceptual Art donde dice que la idea está por encima de la materialización de una obra de arte. Declara que “la idea es una máquina que genera arte”. La idea debe dirigirse más a la mente del espectador que a su mirada. La ejecución de la obra de arte carece de importancia. El arte debe estar ligado a procesos mentales, independientemente de la habilidad, capacidad y maestría técnica del artista.

Le Witt sostiene que el objetivo fundamental del artista conceptual es lograr que su obra “sea mentalmente interesante para el espectador, lo cual equivale a que sea emocionalmente neutro”.

Este conceptualismo no registra lo afectivo como elemento componencial de sus producciones objetuales.

Con referencia a la primacía  de la idea por sobre la forma material, dice Lucy R Lippard en Seis años: la desmaterialización del objeto artístico de 1966 a 1972 ( Madrid,  Akal, 2004): “Para mí el arte conceptual significa una obra en la que la idea tiene suma importancia y la forma material es secundaria, de poca entidad, efímera, barata, sin  pretensiones  y/o ‘desmaterializada’”.

Teniendo en cuenta que artistas conceptuales partieron del Pop y especialmente del Minimalismo que rendía culto a la “neutralidad”, el arte conceptual devino para ellos en la eliminación de la emoción y de lo que se entendía convencional y tradicionalmente por belleza, entre ellos Sol Le Witt y  Morris.

Como aporte al conceptualismo Ludwig Wittgenstein,  en su Tratado lógico- filosófico defiende la idea de concepto en tanto que arte. Para él,  las ideas, aunque no se materialicen, pueden ser obras de arte: lo importante es tener una buena idea al margen de su ejecución material.

Por otro lado, el arte objetual-conceptual, en tanto parte de la literalidad del objeto, procede a transformarlo, a transmutarlo en un operador –podríamos decir “mágico”- que hace desaparecer lo real como tal al transponerlo a objeto artístico. Pero no sólo la idea talla en esta transposición. Es aquí cuando entra en consideración la afectividad.

Podemos considerar la afectividad como el conjunto de sentimientos, de emociones y deseos experimentados por el espectador en relación con el objeto artístico, por cuanto las emociones son procesos afectivos ocurridos frente al objeto, que provoca una reacción en relación con sucesos concretos. De aquí también su contenido cognitivo: la emoción en función de un nuevo conocimiento.

Por esto, reconocer la afectividad en la obra de Liliana Porter, implica analizar la atracción que producen los objetos y, para este análisis importa lo que dice Barthes en La Cámara Lúcida  respecto de la fotografía: “Es así, como debo nombrar la atracción que la hace existir: una animación. La foto, de por sí, no es animada pero me anima”. Y antes: “es más bien una agitación interior, una fiesta, o también una actividad, la presión de lo indecible que quiere ser dicho”. Y esto tiene que ver, no sólo con la mirada sino con la provocación que Barthes menciona como “intencionalidad afectiva, una intención del objeto” a la que Barthes interroga: “Pero, ¿se podía retener una intencionalidad afectiva, una intención dl objeto que apareciese inmediatamente henchida de deseo, de repulsión, de nostalgia, de euforia?”. Y desde la mirada su búsqueda de las esencias, inseparable de lo “patético”, hace que Barthes privilegie el “sentimiento” y así lo expresa: “sólo me interesaba por la fotografía por ‘sentimiento’; y yo quería profundizarlo no como una cuestión (un tema) sino como una herida: veo, siento, luego noto, miro y pienso”. Justifica aquí su compromiso y lo anticipa: “mi fenomenología aceptaba comprometerse con una fuerza, el afecto”.

Lo expresado por Barthes hasta aquí en su Nota sobre la fotografía (así reza el subtítulo de la obra citada), está en relación con los trabajos de Porter en los que la fotografía es uno de los elementos icónicos que juegan en Diálogos (por ejemplo, el retrato del Che Guevara) pero también, tanto las serigrafías como los dibujos, pinturas y las practicas de collage pueden sentirse, como dice Barthes, “como una herida”, vale decir, como presencia de la fuerza del afecto.

En la publicación del Malba en Homenaje a Liliana Porter, Inés Katzenstein en su artículo “Fotografia y Ficción”, puntualiza lo siguiente: “Sus obras se distinguen del arte conceptual más canónico porque para apreciarse requieren por parte del espectador una aproximación afectiva y no simplemente intelectual. Esto se logra a través de la puesta en escena de situaciones complejas protagonizadas por cosas simples”. Unas remiten a la infancia y otras a circunstancias de orden  social.

El reconocimiento del afecto como una fuerza latente y presente en un campo paralelo al de la idea importa para equilibrar la dominancia del concepto que hace del conceptismo un arte razonado, aséptico.

Singularizaremos en la serie Diálogos, y más precisamente, en el análisis de la puesta en escena de situaciones complejas protagonizadas por los personajes, el concepto de afectividad presente y latente que su autora suscita: al  desimplicar su funcionamiento  no solo a través del diálogo, sino de posturas, actitudes, gestos, miradas direccionales y de las relaciones que establecen los objetos a través de la diferencia de  tamaños que permiten por ejemplo desimplicar diversas actitudes. Cabe destacar la distribución de los objetos en el espacio (cercanía/lejanía) y también el color, que produce una sensación de nostalgia, dada su reducción cromática.

La afectividad se da además, a través de las relaciones inter-objetuales presentes en los personajes del mundo infantil, así como en  otros del mundo del adulto, con los que el espectador establece un nexo afectivo.

El contenido poético que contiene cada uno de sus objetos está vinculado con el lenguaje afectivo en cuanto resalta la exquisitez  de las imágenes que hacen a su elegancia y su riqueza objetual. Esto aleja a Liliana Porter y a su obra de lo meramente intelectual.

Bibliografía:

Barthes Roland. La cámara lúcida, Paidós, Buenos Aires 2011.

Guasch Anna María. El Arte último del siglo XII, Del Posminimalismo a lo multicultural, Alianza, 2000.

Katzenstein Inés. Liliana Porter Fotografía y Ficción, Fundación Constantini Museo De Arte Latinoamericano de Buenos Aires, 2004, p.20.

Lippad L. R. Seis Años: la desmaterialización del objeto artístico 1966 a 1972, Akal Madrid, 2004.

Marchand  Fiz Simón. Del Arte Objetual al Arte de Concepto, Akal, Madrid, 1994.

ADRIANA GASPAR

 

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Imagen  —  Publicado: 13/04/2014 en Introducción

Entre la Imagen y la Palabra

Poeta  Invitado:  Luis Raúl Calvo

 

  • Crisálida

A la obra de Adriana Gaspar

Crisálida
rasgos del  hongo en las arterias
Dos,
traición de la pulpa
expulsión de la textura.
Crisálida
muerta en el hastío.
Soplo de lobo en la obsesión
del sexo.
Crisálida
conjura de amantes atrapados
en el árbol de lona.
(El deseo atrae los senos
pervertidos).
Crisálida
restos de calcio en las ojeras.

 (Del libro”La anunciación de la partera”,

Ed”Correo Latino”, 1992)

 

  • Flores Negras

A la obra de Patricia Fayt

Detrás del muro el miedo nos desangra.
Un hilo de luz en la garganta
es señal de voces calcinadas.
No hay dolor en la miseria
sólo el aullido del amo
devorando ventrículos vacíos.
Despojados de todo, las siluetas de barro
comen de las tumbas.
Estamos celebrando el cautiverio de los hijos
con flores negras en los ojos.

(Del libro “La anunciación de la partera”)

Ed “Correo Latino”, 1992.

 

  • La Mirada

A Joan Miró y su obra “Una mujer en la noche”

Esa pesada carga del deseo
purifica la razón del violinista.
Ella sabe que el virtual descubrimiento
pasa por los ojos
allí donde los monstruos más sagrados
atormentan el caldo del cartero.
Imperfecta y deleznable
su piel amarga restituye
al visionario de Manhattan.
Por ella, el Mar Mediterráneo ahogó la voz
del depravado, una tarde de abril
en Buenos Aires.
Esa pesada carga de deseo
transpone fechas y ciudades
heredera del silencio, el primer grito
pateó de su incestuosa pupila.
Siempre fue así y ella lo intuye
desde el calvario de Otelo y Desdémona.
Una mujer en la noche
piensa como pulverizar la mirada.

(Del libro “Calles asiática”

Ed, “Plus Ultra”, 1996)

 

  • “Los comedores de Patatas”

A Vincent Van Gogh y su obra “Los comedores de Patatas”

 

El orden de las cosas está en la lejanía.
Los comedores de patatas nos contemplan
como vigías encubiertos.
Ellos son el desarraigo, el desamparo
de esos días, las ranas quemadas en el pan
de fuego.
Hay una región inexplorada en la crudeza
del aire.
Cabizbajos, extraemos el pasto crecido
de las venas del tuerto.
Es un acto de tortura ver pasar la vida
de los otros con la certeza de lo ya visto.

(Del libro “Calles asiáticas”,

Ed. Pus Ultra, 1996.

 

  • Señales de Alarma

A la obra de Liliana García Nudelman

 

Hay una historia personal en el fondo del vacío
los rasgos de la infancia son la ausencia.
de toda presencia.
Hay una suma de datos registrados como meros
prontuarios, una acumulación de hechos
que trascienden la humedad de las formas
el peso del color, a la longitud del párpado.
En ese territorio aborigen desanudamos la huella
del recuerdo y la convertimos en señal de
alarma
para futuras deserciones.
 
Pero ¿Quién abandona a quién cuando dos
cuerpos
se separan y se instaura el olvido?
 
¿Quién derriba la copa de oxígeno y transforma
la identidad de un rostro en desoladas
convenciones?
 
Acaso presentimos que un beso es más que
un beso
cuando el hielo nos tapa en las luctuosas
noches
de misa y arrastramos los restos de memoria
el imaginario creado para aceptar
que el nombre puesto es una tácita derrota
que debemos velar, como se vela a un muerto
en los ascensores de luto

(Del libro “Calles asiáticas”,

Ed, Plus Ultra 1996)

 

  • Lo que no fué

A la obra de Flora Stillman

 

Ahora, que hemos descubierto
en palabras el origen del silencio
nuestras almas permanecerán
quietas en el horizonte.
 
Ya no habrá lugar para la duda
ni miraremos con los mismos ojos
la eternidad de la luz.
 
El vacío cubrirá las anchas veredas
con su obscuro manto de junio
y dejaremos partir mansamente
las cenizas de aquello que no fue.
 
Acaso, por los fríos designios
de la razón, saludaremos su vertiginoso
paso hacia el abismo.
 
Sólo los ángeles nos salvan.

(Del libro “Nada por aquí, nada por allá,

Ed, “Generación Abierta”, 2009)

 

Luis Raúl Calvo

Nació en Buenos Aires, Argentina en 1955. Poeta y ensayista.  Autor y compositor de música, cantautor. Licenciado en Psicología.
Dirige la Revista “Generación Abierta” (Letras-Arte-Educación) desde su fundación en 1988, publicación “ Declarado de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires” en el año 2000 por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Desde 1992 dirige el Café Literario “Antonio Aliberti”, en Café Monserrat”.
Desde 2007 co – dirige y produce el programa de radio “Generación Abierta en Radio, por Radio FM Cultura (97.9 MHZ) de Buenos Aires.
 
Ha recibido diversas distinciones literarias. Parte de su obra ha sido traducida al Inglés, francés, italiano, rumano y portugués.
Obra publicada en poesía: “Tiempo dolorosamente resignado” (Ediciones Generación Abierta, 1998); “La anunciación de la partera” (Ediciones Correo Latina, 1992); “Calles Asiáticas (Editorial Plus Ultra, 1996); “Bajos fondos del alma”, (Ediciones Generación Abierta, 2002); “Belleza Nómade” (Ediciones Generación Abierta, 2007); “Nimic Pentru Aici, Nimic Pentru Dincolo”, Antología Poética, en rumano traducida por Flavia Cosma (Editorial Gens Latina, Rumania, 2009);  “Nada por aquí, nada por allá” , Antología Poética en español (Ediciones Generación Abierta, 2009); “Profane uncertaitnties” (“Profana indertidumbre”), Antología Poética en Inglés, traducida por Flavia Cosma (Editorial Cervena Barva Press, Estados Unidos, 2010) y “Breve anthologie” (“Breve antología”), Antología Poética, en francés (Editons L´ Harmattan, París. Francia. 2012).
En 2010 grabó su primer álbum “¿Cuál es la verdad de lo vivido? – Canciones urbanas – con temas de su propia autoría y musicalización del poema ¿Será verdad que cuando toca el sueño?, de Gustavo Adolfo Becquer.

 

Email: luisraulcalvo@gmail.com

http://www.generacionabierta.com.ar/

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Imagen  —  Publicado: 07/03/2014 en Introducción

21/02/2014

Un recorrido por los universos creados por Marina Tórtola.

Por Renée Lagos

Retórica e Imagen estuvo en la Muestra,  “El  universo como un holograma” de la artista Marina Tórtola, en el Centro Cultural Plaza Castelli, de Belgrano.

Dispuestas en un ámbito espacioso, se desplegan las obras de un singular universo creado por la artista, que nos invita a un recorrido por  sus últimas producciones. De intenso colorido sus abstracciones se expresan a través de una pintura vital, dinámica, orgánica y pulsional.

El Universo plástico que acude al espectador a partir de la propuesta de la artista, dejando en evidencia la búsqueda constante que Marina ha emprendido experimentando con materiales, soportes y formatos diversos. Incorpora en sus representaciones el collage, que le permite incluir texturas, densidades  y brillos, en búsqueda de una dinámica que nos transporte a aquellos  infinitos espacios de nuestro universo.

David Bohn, postula que el holograma es el punto de partida de una nueva descripción de la realidad “el orden implícito”.

Las mismas están extraídas de un intangible, e invisible flujo que no está compuesto de partes, que no se pueden describir, sino como un estado de interconexión inseparable.

Una singular propuesta de la artista que conlleva un soporte teórico en los trabajos de Albert Einstein, Michael Foucault y David Bohn entre otros.

Los mundos interconexos, pendulares y holográficos asisten en la representación de un lenguaje donde no existen formas reales, sino espacios, sitios e intersticios,  que nuestra mirada debe completar.

El universo plástico propuesto por Marina Tórtola evidencia una asidua búsqueda que la artista ha emprendido como creadora. Una manera personal de representar y representarse en el vertiginoso mundo de hoy.

Curriculum:

Marina Tórtola nace en Buenos Aires, el 9 de julio de 1981. Es Licenciada en Artes Visuales con orientación Pintura (IUNA). Realizó talleres de Pintura con Pablo Siquier, Carlos Bissolino, Daniela Rudnik, Marcela Gásperi y Carolina Antonaidis.

Asistió a Clinicas de Obra con Eduardo Médici y Tulio de Sagastizábal.

Obtuvo la Beca Pensar con los ojos y la Beca ECuNHI- Fondo Nacional de las Artes.

Es docente en su Taller de Arte Entre Frutillas (Colegiales.Belgrano R.) y en el IUNA en la Cátedra Gásperi de Pintura OTAV Niveles I; II y III.

Expuso en Arte Espacio, Pasaje 17, Areatec  Edificio Cassará, Beca ECuNHI- FNA (Berlín). Central  Newbery, Recoleta Mail, ArteBa, Autoria, Consorcio de Arte, Schlifa-Molina, Praxis, Holz, Bisagra, Fondo Nacional de las Artes, Banco Provincia, Candace (Santa Fé), Framing Reflections (Miami); Beca ECuNHI- FNA (Francia), Munguau  (Argentina- Corea), Alejandra Perotti, Centro Cultural Islas Malvinas, Federico Towphya, Selva, Jardín Luminoso, Canasta, Meridion, 5º Bienal Internacional de Arte Textil en Espacio Amia, Palacio de las Artes y el Museo de Arte Español Enrique Larreta.

En Subastas para Malba, Caacupé, asociación Conciencia, El Arca, Galería Azur, Fundación Mundo Nuevo, Arte por los chicos, Ideas al Plato, Una Noche Porteña y Fundación Pescar.

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RENÉE LAGOS

“Tensiones”

“EL MENSAJE ESTÉTICO POR CABLE”

Por:  IRENE MERCEDES AGUIRRE.

“Renée Lagos nos propone desafíos múltiples con sus singulares creaciones inscriptas dentro del Arte Conceptual. Cables que se expanden a través de curvas, rectas, bifurcaciones y diagonales y nos conducen a vías libres de comunicación y a la superación de nudos  -obstáculos interpretativos múltiples, dentro del “territorio” ampliado de la comunicación actual, y lo consigue a través de un mensaje personal y abierto a la respuesta interior del espectador. Cada cual se enfrenta a la propuesta  de la artista no solamente desde el arte sino además desde su propia idea del mundo, de la sociedad en que vive y del concepto de la humanidad que porta.  Se puede visualizar el juego de lenguajes que representa el pensamiento complejo globalizado, por el amontonamiento en determinados haces donde se concentran emisores, mensajes y receptores en permanente tensión mientras que se pueden visualizar otros espacios más serenos, menos congestionados junto a zonas con novedosas articulaciones que traen la expectativa de otros modos de vinculación en curso. “ El marco es el sostén de mis entretejidos que a su vez proyectan sombras sobre la pared” dice Renée, propiciando lo lúdico en sus obras y convocando el niño que llevamos dentro. Los cables y nudos se evaden de lo geométrico riguroso y aparecen impregnados de sensibilidad hondamente humana, de algún modo semejante a las neuronas, sinapsis y enganches de fase del cerebro, hacia nuevas ideas, nudos coyunturales que hay que sortear para penetrar hacia la comprensión y el entendimiento con el Otro, objetivo buscado en forma permanente por la artista”.

 

 

Irene Mercedes Aguirre

Historiadora (Facultad de Filosofía y Letras, UBA)

Especialista en Producción de Textos Críticos

Y Difusión Mediática de las Artes

Adriana Gaspar

Introspección”

El compromiso de una artista

El tema del tiempo, el pasado, el presente y el futuro confluyen en la obra de Adriana Gaspar como algo que alude a su propia identidad, a sus propias raíces.

Siguiendo una concepción estructuralista, esto ya lo veníamos advirtiendo algunos años atrás en los comienzos de su etapa de cajas-objetos que ella comenzó a transitar, en una línea de profunda introspección de marcada interioridad con su propio yo.

Si en aquel momento el acento estaba puesto en mostrarnos esos imaginarios de la infancia que cada uno tal vez comenzó a transitar como en un breve itinerario personal- al ser partícipes de su obra y recrearlas con  nuestra propia subjetividad- la actualidad de nuestra artista la encuentra como sumergida en capas todavía de mayor profundidad que la anterior.

Esto nos recuerda a algunos de los conceptos señalados por Didier Anzieu- psicoanalista francés (1923-1999) en su libro “Psicoanálisis del genio creador”, cuando nos dice entre otras cosas que ser creador es ser capaz de una regresión rápida y profunda que da lugar al cumplimiento de un movimiento regresivo ligado a una crisis interior y que a su vez moviliza representaciones arcaicas.  Sus actuales collages y técnicas mixtas conmueven y conllevan una gran carga emocional, por lo que trasmiten.

Por eso, si bien estamos en presencia de una obra conceptual, donde priman muchos contenidos simbólicos, la composición general es de una gran fuerza expresiva.

Por eso, si bien estamos en presencia de una obra conceptual, donde priman muchos contenidos simbólicos, la composición general es de una gran fuerza expresiva.

La mirada de Gaspar en general es una mirada intimista sobre los temas esenciales como la vida y la muerte, hay elementos incorporados que aluden simbólicamente al nacimiento a través del cordón umbilical, otros están enraizados en una concepción que apunta al agujero negro, como aquellas zonas del espíritu que han quedado como dañadas, quemadas, en ese contacto diario del ser humano con su propia historia personal y con su entorno.

Sin embargo también observamos una mirada social. En uno de sus trabajos presentados alude a Eva Perón y Victoria Ocampo en posiciones inversas. Lo cual sorprende al espectador, tal vez por esa visión estereotipada y prejuiciosa con la cual a veces suelen verse los hechos de la historia.

Lo que siempre permanece vigente en la obra de Adriana Gaspar y la distingue es la persistencia de un lenguaje –que más allá del a formas que vaya adoptando su decir- es acentuadamente poético, lo cual le da belleza, sentido y unidad al entramado de sus series.

Esta muestra nos confirma una vez más que estamos en presencia de una verdadera artista, de alguien que con hondura, autenticidad y compromiso nos revela esos complejos mundos interiores que habitan en cada uno de nosotros.

Luis Raúl Calvo

Julio 2013

Lic. En Psicología. Poeta y Ensayista. Gestor Cultural.

Autor de libros publicados en el país y en el exterior.

Director de la Revista Cultural Generación Abierta.

Co-conductor y Productor del Programa Cultural

Generación Abierta en Radio que se emite

Por FM Cultura (97.9 MHZ)

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Galería  —  Publicado: 18/08/2013 en Introducción